Fino a pochi anni fa Traviata era lo scoglio più temuto dai soprani e solo pochissime primedonne si sentivano in grado di affrontare il pubblico,mentre la maggior parte dei registi la ritenevano uno di quei titoli impossibili da toccare e da trasporre in altre ambientazioni. Poi registi come Vick a Verona e come Carsen a Venezia e infine come Decker a Salisburgo si sono arrischiati ottenendo risultati più o meno geniali. Diventa oggi per qualsivoglia regista assai difficile riuscire a dire qualcosa di effettivamente nuovo su un dramma così conosciuto ma anche così ben rivisitato. Massimo Ranieri che pure è uomo di teatro, trovandosi alla sua quarta regia d’opera ha ritenuto di potersi cimentare nel difficile compito, apparso solo in parte raggiunto nei suoi obiettivi.Un’ambientazione moderna, più precisamente anni Cinquanta (anche se l’accenno del twist faceva pensare a quelli Sessanta), lontanamente paragonabile alla morale borghese di metà ottocento. Violetta sembra inizialmente rifarsi all’ideale romantico di una bambina che dopo i suoi primi studi di danza alla sbarra viene sbalzata improvvisamente in un mondo non suo fatto solo di esteriorità che non le appartengono e che è costretta a subire ma alle quali preferirebbe in realtà un mondo più intimo e sincero. Ciò che non era consono allo stile e al mondo verdiano era anche una gestualità spesso volgare esasperata che non esiteremmo a definire verista da parte degli interpreti e la difficoltà registica di far muovere anche il coro in modo adatto. Lanci di bicchieri, strattonamenti, schiaffi da stordimento o meglio da pronto soccorso fanno infatti parte piuttosto di un mondo molto lontano dal milieu di una Parigi anni Cinquanta e vicino a quello di una Roma felliniana da neorealismo ma anche di quello un po’ hollywoodiano cui il regista ammicca in particolare nel primo atto. Peccato che non solo la tradizione ma anche la partitura richiamino spesso al belcanto di donizettiana e belliniana memoria piuttosto che alle concitazioni mascagnane…
Le scene e i costumi semplici ed essenziali di Nanà Cecchi non bastavano poi a stemperare certi eccessi registici. La parte musicale al di là di un fastidiosissimo sibilo proveniente dal palcoscenico durante tutto il primo e parte del secondo atto vedeva in Daniel Oren un istrionico protagonista che accentuava non solo sonorità ma anche tempi serrati e al contrario rallentati creando talvolta effetti vistosi talvolta momenti toccanti. Una lettura a tratti discutibile ma mai noiosa e piatta. Peccato piuttosto per certi tagli oggi improponibili.
Al Verdi si sa sono passati un po’ tutti i grandi cantanti del passato e nonostante i dolorosi tagli economici che speriamo possano essere cancellati dal nuovo governo il cast è di notevole livello.
Inva Mula non ha una voce bellissima e la sua interpretazione risulta un pò datata e non intimamente sentita, ma la sua tecnica è ineccepibile e le permette di fare perigliose messe di voce senza alcun problema. Massimo Giordano è invece un Alfredo irruente e caldo ma la sua tecnica non è sempre a fuoco; quando canta piano come nel terzo atto è una delizia. Franco Vassallo, Germont ha invece una voce un colore e una morbidezza di emissione invidiabile, peccato che la linea del canto risenta di carenze di intonazione. Poco interessanti in genere i comprimari.
Qualche fischio all’indirizzo del regista in mezzo a molti applausi non ha turbato la prima, una serata di gala piena di attese corrisposte e di preziose toilettes…

Trionfo del capolavoro donizettiano al Teatro Verdi di Trieste

Don Pasquale, di Gaetano Donizetti,è una delle opere più piacevoli che il teatro lirico ottocentesco prodotto.Vista la semplicità dell’azione può sembrare anche uno titolo fra i più accessibili da realizzare considerando che oggi le voci belcantiste sono più abbondanti di quelle autenticamente verdiane o veriste. E’ in realtà uno scoglio sommerso che presenta spesso difficoltà inaspettate. L’allestimento del Teatro Verdi di Trieste a firma di Italo Nunziata ne ha evidenziate alcune sotto diverse angolature. In primis la direzione di Gerard Korsten che andava a sostituire Daniel Oren in seguito alle ben note polemiche. Il giovane maestro sudafricano appariva fin dall’ouverture estraneo alla freschezza e alla leggerezza donizettiana appesantendo la mano senza evidenziare la brillantezza della fantasia melodica e armonica della partitura. Talvolta si è fatto persino cogliere in ritardo rispetto ai tempi scelti dai cantanti per l’esecuzione delle arie. Speriamo di poterlo rivalutare in futuro. Italo Nunziata da parte sua impostava una vicenda nei novecenteschi anni 30 operando una trasposizione di quasi un secolo che se sulla carta poteva anche non disturbare accentuava qui invece l’aspetto farsesco del Don Pasquale che è apparso così ai neofiti una vera e propria operetta. Ciò anche a causa di una certa sottovalutazione dell’aspetto lirico patetico del canovaccio a discapito di quello più immediatamente comico. L’azione e il ritmo erano curati nei dettagli ma certa malinconia presente nei personaggi di Ernesto e Don Pasquale veniva così completamente sottaciuta. Giorgio Surjan pur in possesso di una salda tecnica non dava del protagonista quella convincente linea interpretativa che gli abbiamo riconosciuto molte volte in altri ruoli. Imbarazzante era da parte sua Alberto Rinaldi come Malatesta in una tessitura ben lontana dalle sue reali possibilità. Antonino Siragusa pur nella facilità di esecuzione di una tessitura a lui congeniale forzava talvolta gli estremi acuti e appariva piuttosto indifferente ai tormenti del giovane Ernesto.
Mariola Cantarero deludeva non solo nell’incertezza dell’emissione ma anche nel dubbio gusto bamboleggiante e artificiosamente inutile. Anche il coro triestino non offriva una delle sue migliori prove perché costretto a forzare i volumi. Qualche timido dissenso alla prima per uno spettacolo complessivamente gradito dal pubblico triestino.