“Non è il solito teatrino” diceva un segaligno e aristocratico signore seduto al mio fianco all’inaugurazione del Carlo Felice di Genova. Aveva ragione e totalmente. In momenti di crisi come questa, dove le strumentalizzazioni politiche regnano sovrane un po’ovunque, il Carlo Felice ha saputo impegnarsi in una valida operazione culturale presentando uno fra i più sublimi capolavori del melodramma italiano. I Capuleti e i Montecchi di Vincenzo Bellini. Dimenticato a lungo e spazzato praticamente via in epoca verista ma ancora prima dal più celebre Roméo et Juliette di Charles Gounod ( cui tocca oggi un po’ la stessa sorte). Riscoperto già negli anni settanta da Claudio Abbado e in epoca più recente da Riccardo Muti ha visto negli ultimi vent’anni molte interpreti di riferimento da noi apprezzate sulle scene, quali Katia Ricciarelli, Lella Cuberli, Giusy Devinu , Luciana Serra, Edita Gruberova, June Anderson senza voler dimenticare nessuna.

Fra queste eccelse cantanti quasi coetanee non tutte regnano ancora sulle scene internazionali.  L’allestimento genovese punta sul connubio Mariella Devia Sonia Ganassi, che,differenziandosi da altre celebri primedonne del passato, sono in ottimi rapporti e si cimentano regolarmente in concerti di duetti come quello tenuto anni fa al Filarmonico di Verona. Tornando all’allestimento genovese che sfrutta quello proveniente dall’Opéra Bastille di Parigi, niente si può immaginare di più semplice elegante ma insieme sovrastante, imponente e prevaricante. Enormi pareti semoventi in rosso scuro creano spazi di volta in volta claustrofobici o apertamente desolanti a significare la grande solitudine alternata ai momenti di un amore disperato, quello che congiunge i due infelici amanti di Verona. Grande pregio di quest’apparentemente semplice allestimento si situa nel saper evidenziare i singoli personaggi su cui Bellini volutamente vuole concentrare l’azione. Qualche sedia, un letto, neppure un piccolo catafalco nella tomba di Giulietta a voler comprovare l’adesione al più spinto minimalismo oggi imperante. Quando il canto è vero belcanto come nel caso della Devia e della Ganassi si può fare….ma altrimenti ?

Una lunga fila indiana con i seguaci di Capellio che a fatica staccano le spade infilzate nel proscenio non ci è certo sembrata una bella idea per aprire l’opera ma è anche vero che l drammaturgia dei Capuleti non è ricca di spunti originali. Sonia Ganassi da parte sua si rivelava perfettamente a suo agio in una tessitura quasi sopranile che metteva in evidenza la grande facilità nei passaggi di registro, ma anche la corposità dei centri. Ciò che colpiva era anche la grande fusione stilistica e interpretativa fra le due belcantiste perfettamente a loro agio nel comune intento di far brillare le ragioni della musica e non le rivalità fra primedonne. La direzione di Renzetti appariva finalizzata al buon risaltare del palcoscenico senza creare prevaricazioni di sorta. Il Lorenzo di Nicola Ulivieri si distingueva mentre un po’ opachi apparivano siano il Tebaldo di Dario Schmunck, come pure non brillante il Capellio di Deyan Vatchkov. Trionfi anche alla repliche.

Vi sono serate difficili da dimenticare anche per chi come noi vede abitualmente molti allestimenti durante tutto il corso dell’anno. Cadmus et Hermione andato in scena durante lo scorso gennaio all’Opéra-comique parigina è indubbiamente una di queste. L’atmosfera delle grandi occasioni regnava su quella sera in cui invece che il solito pubblico mondano delle grandi occasioni quello degli appassionati era a farla da padrone. Si trattava della prima vera tragédie lirique del grande compositore di origine italiana Gianbattista Lulli ribattezzato in Francia Lully che ebbe a Parigi una carriera fra le più luminose. Ma tragédie non significa affatto la classica tragedia greca o moderna quanto piuttosto una contaminazione di danza, di tragedia. Vi compaiono personaggi comici presi dalla vecchia commedia dell’arte italiana e in particolare veneziana. Nella produzione parigina tutto ciò era perfettamente coeso. Anteriore a questo Cadmus erano il Borghese gentiluomo del 2004 e Atys del 1991,il tutto sempre sotto la direzione artistica di Vincent Dumestre, e la regia di Benjamin Lazar.  

Questo Cadmus riusciva infatti nel serio compito di riportarci nell’antico 1673 di Molière. Illuminati solo da lampadine gli effetti scenici erano comunque stupefacenti per merito di antiche macchine che, anche se mosse da uomini nascosti, riuscivano nell’impegnativa arte di affascinare spettatori smaliziati abituati ad ogni genere di diavolerie. La freschezza poi di una recitazione precisa e dinamica nel francese dell’epoca come pure del rispetto stilistico nelle danze più adatte. Indubbiamente non si può cercare nell’ispirazione musicale di Lully quella varietà melodica che sarà poi propria di altri compositori posteriori, ma la linea interpretativa e stilistica presentata in quest’edizione parigina riusciva perfettamente a rendere la difficile arte dell’antica”air de cour” di cui l’opera è ancora profondamente intrisa. Ciò che persuadeva pienamente era anche quello stretto lavoro di equipe che, piuttosto che evidenziare le singole individualità, metteva l’accento sull’unità stilistica dell’insieme .Questa in un epoca di star system è indubbiamente una delle migliori lodi che si possano fare. Uno spettacolo lodevole che consiglieremmo a tutti di vedere .

Fino a pochi anni fa Traviata era lo scoglio più temuto dai soprani e solo pochissime primedonne si sentivano in grado di affrontare il pubblico,mentre la maggior parte dei registi la ritenevano uno di quei titoli impossibili da toccare e da trasporre in altre ambientazioni. Poi registi come Vick a Verona e come Carsen a Venezia e infine come Decker a Salisburgo si sono arrischiati ottenendo risultati più o meno geniali. Diventa oggi per qualsivoglia regista assai difficile riuscire a dire qualcosa di effettivamente nuovo su un dramma così conosciuto ma anche così ben rivisitato. Massimo Ranieri che pure è uomo di teatro, trovandosi alla sua quarta regia d’opera ha ritenuto di potersi cimentare nel difficile compito, apparso solo in parte raggiunto nei suoi obiettivi.Un’ambientazione moderna, più precisamente anni Cinquanta (anche se l’accenno del twist faceva pensare a quelli Sessanta), lontanamente paragonabile alla morale borghese di metà ottocento. Violetta sembra inizialmente rifarsi all’ideale romantico di una bambina che dopo i suoi primi studi di danza alla sbarra viene sbalzata improvvisamente in un mondo non suo fatto solo di esteriorità che non le appartengono e che è costretta a subire ma alle quali preferirebbe in realtà un mondo più intimo e sincero. Ciò che non era consono allo stile e al mondo verdiano era anche una gestualità spesso volgare esasperata che non esiteremmo a definire verista da parte degli interpreti e la difficoltà registica di far muovere anche il coro in modo adatto. Lanci di bicchieri, strattonamenti, schiaffi da stordimento o meglio da pronto soccorso fanno infatti parte piuttosto di un mondo molto lontano dal milieu di una Parigi anni Cinquanta e vicino a quello di una Roma felliniana da neorealismo ma anche di quello un po’ hollywoodiano cui il regista ammicca in particolare nel primo atto. Peccato che non solo la tradizione ma anche la partitura richiamino spesso al belcanto di donizettiana e belliniana memoria piuttosto che alle concitazioni mascagnane…
Le scene e i costumi semplici ed essenziali di Nanà Cecchi non bastavano poi a stemperare certi eccessi registici. La parte musicale al di là di un fastidiosissimo sibilo proveniente dal palcoscenico durante tutto il primo e parte del secondo atto vedeva in Daniel Oren un istrionico protagonista che accentuava non solo sonorità ma anche tempi serrati e al contrario rallentati creando talvolta effetti vistosi talvolta momenti toccanti. Una lettura a tratti discutibile ma mai noiosa e piatta. Peccato piuttosto per certi tagli oggi improponibili.
Al Verdi si sa sono passati un po’ tutti i grandi cantanti del passato e nonostante i dolorosi tagli economici che speriamo possano essere cancellati dal nuovo governo il cast è di notevole livello.
Inva Mula non ha una voce bellissima e la sua interpretazione risulta un pò datata e non intimamente sentita, ma la sua tecnica è ineccepibile e le permette di fare perigliose messe di voce senza alcun problema. Massimo Giordano è invece un Alfredo irruente e caldo ma la sua tecnica non è sempre a fuoco; quando canta piano come nel terzo atto è una delizia. Franco Vassallo, Germont ha invece una voce un colore e una morbidezza di emissione invidiabile, peccato che la linea del canto risenta di carenze di intonazione. Poco interessanti in genere i comprimari.
Qualche fischio all’indirizzo del regista in mezzo a molti applausi non ha turbato la prima, una serata di gala piena di attese corrisposte e di preziose toilettes…

Trionfo del capolavoro donizettiano al Teatro Verdi di Trieste

Don Pasquale, di Gaetano Donizetti,è una delle opere più piacevoli che il teatro lirico ottocentesco prodotto.Vista la semplicità dell’azione può sembrare anche uno titolo fra i più accessibili da realizzare considerando che oggi le voci belcantiste sono più abbondanti di quelle autenticamente verdiane o veriste. E’ in realtà uno scoglio sommerso che presenta spesso difficoltà inaspettate. L’allestimento del Teatro Verdi di Trieste a firma di Italo Nunziata ne ha evidenziate alcune sotto diverse angolature. In primis la direzione di Gerard Korsten che andava a sostituire Daniel Oren in seguito alle ben note polemiche. Il giovane maestro sudafricano appariva fin dall’ouverture estraneo alla freschezza e alla leggerezza donizettiana appesantendo la mano senza evidenziare la brillantezza della fantasia melodica e armonica della partitura. Talvolta si è fatto persino cogliere in ritardo rispetto ai tempi scelti dai cantanti per l’esecuzione delle arie. Speriamo di poterlo rivalutare in futuro. Italo Nunziata da parte sua impostava una vicenda nei novecenteschi anni 30 operando una trasposizione di quasi un secolo che se sulla carta poteva anche non disturbare accentuava qui invece l’aspetto farsesco del Don Pasquale che è apparso così ai neofiti una vera e propria operetta. Ciò anche a causa di una certa sottovalutazione dell’aspetto lirico patetico del canovaccio a discapito di quello più immediatamente comico. L’azione e il ritmo erano curati nei dettagli ma certa malinconia presente nei personaggi di Ernesto e Don Pasquale veniva così completamente sottaciuta. Giorgio Surjan pur in possesso di una salda tecnica non dava del protagonista quella convincente linea interpretativa che gli abbiamo riconosciuto molte volte in altri ruoli. Imbarazzante era da parte sua Alberto Rinaldi come Malatesta in una tessitura ben lontana dalle sue reali possibilità. Antonino Siragusa pur nella facilità di esecuzione di una tessitura a lui congeniale forzava talvolta gli estremi acuti e appariva piuttosto indifferente ai tormenti del giovane Ernesto.
Mariola Cantarero deludeva non solo nell’incertezza dell’emissione ma anche nel dubbio gusto bamboleggiante e artificiosamente inutile. Anche il coro triestino non offriva una delle sue migliori prove perché costretto a forzare i volumi. Qualche timido dissenso alla prima per uno spettacolo complessivamente gradito dal pubblico triestino.